Buddy Nestor

Aquí os dejo con el trabajo de Buddy Nestor, uno de los artistas norteamericanos abstractos más controvertidos y oscuros. Sus trabajos deformados y marcados por el surrealismo exploran, según sus palabras, los abismos más profundos de la naturaleza humana -inspirando terror y repulsión, pero aún así hipnotizando al espectador, incapaz de apartar la mirada.

http://buddynestorartwork.com/

GRISALLA Y VELADURAS

https://www.youtube.com/watch?v=3ldDEu14ng8

El surrealismo pop o lowbrow.

Mark Ryden, es el padre del surrealismo pop. No está solo en ese movimiento, pero yo lo traigo a él por la gran influencia que ha tenido y tiene en el panorama artístico de las últimas décadas, en la música y el cine, etc. Os dejo algunos vídeos de su canal de youtube donde se ve su proceso creativo al óleo, también os dejo su web y una interesante entrevista.
Su imaginario es muy potente y recargado, con personajes infantiles pero irónicos. Sus cuadros repletos de simbología, son como ya digo muy complejos.

Aquí lo vemos pintando:

https://www.youtube.com/watch?v=dupxHaHx7rA

https://www.youtube.com/watch?v=0hHWh-mP-no

Ésta es un web oficial:

http://www.markryden.com

Éste su facebook:

https://www.facebook.com/Mr.Ryden?fref=ts

Y ésta es la entrevista de la que os he hablado:

http://www.neo2.es/blog/2013/09/entrevista-a-mark-ryden/

Muy interesantes son también los Rubenimichi, un triunvirato de artistas que pintan conjuntamente sus cuadros, y que son una perfecta representación del surrealismo pop español. No profundizo en ellos porque pintan con acrílico y no es la técnica que hemos usado este cuatrimestre, pero os dejo el enlace de su web por si queréis echarle un vistazo.

http://www.rubenimichi.com

IMPRIMACIÓN Y SOPORTE

Para pintar al óleo se emplea normalmente un soporte de  lienzo o madera (también cartones, papeles y otros).

Las ventajas del soporte de madera sobre el lienzo son que se quiebra menos la pintura, ya que presenta menos cambios de tensión, es un soporte más firme para pintar pero pueden curvarse fácilmente si el bastidor no es el adecuado

Ambas formas de soporte deben ser imprimadas previamente para  conseguir impermeabilidad y evitar que la pintura se caiga, quiebre o pudra con el paso del tiempo.

La imprimación se compone de cola y gesso (cola y blanco de España), esta puede ser a color o no dependiendo de si se añade pigmento a la mezcla o no.

8 Documentales de Arte muy recomendables

Por Alberto Claver Crespo Sánchez:

http://culturacolectiva.com/8-documentales-de-arte-para-ver-en-linea-de-manera-gratuita/

La pintura en la actualidad; breve resumen de algunas técnicas explicadas en clase

Actualmente, la pintura ya se encuentra definida por Leonardo como “superior a todas las artes”, ya que, sin entrar en jerarquizaciones, se comprueba que el público tiene más acceso a ella y muestra una mayor inclinación que hacia otras manifestaciones artísticas.

Al mismo tiempo, es cierto que estamos más sensibilizados hacia su conocimiento, pues los hay quienes se acercan a ella a través de la práctica, pero además, los elementos de la creación artística se encuentran presentes en nuestra vida, desde la distribución del espacio al color. Ritmos, colores y formas integran el entorno en el que nos movemos.

A lo largo del cuatrimestre hemos podido ir conociendo las distintas técnicas, medios y soportes con los que se hace y presenta una obra.

El óleo ha sido el procedimiento que hemos usado y es a su vez uno de los más habituales e importantes en la pintura moderna. Su invención queda atribuida a los Van Eyck, aunque tal afirmación no sea del todo cierta.

“Generalmente unimos el concepto de óleo sobre un soporte móvil y aunque no es exclusivo es el más usual. Estos son muy diversos, preferentemente la tela, material sobre el que se han pintado los grandes cuadros de la Humanidad, sobre todo de gran formato, pues permite mayores proporciones. La tabla le sigue en importancia (Durero o Bosco la prefirieron). Igualmente se aplica sobre pizarra (véase Ecce Homo de Tiziano) planchas de metal, especialmente de cobre, del que dio cuenta en su uso Ruben. También el cartón y hasta el papel se convirtieron en elementos base; en él Holbein y Delacroix dieron muestras de sus habilidades.”(María F. Guzmán Pérez, Pintura. Percepción y conocimiento, propuesta didáctica).

Algunas de las técnicas que he investigado sobre el óleo y que me han parecido más interesantes son:

“-Mezcla de colores. La mezcla de colores tiene como objetivo crear el mayor número de opciones con un número mínimo de colores.

-Húmedo sobre húmedo, es el proceso de añadir otro color a las capas existentes todavía húmedas. La técnica se usa para que la imagen resulte inmediata y de gran interés. También puede emplearse como técnica para mezclar y difuminar, lo que se logra con el color en cualquier estado de viscosidad, de grosor y de duro a fluido.

-Arrastre en seco, un técnica que desconocía y que consiste en aplicar suavemente pinceladas sobre la pintura seca, dando un efecto de difuminado.

-El impasto es la técnica de aplicar un color grueso y rígido, dejando las marcas del pincel y la espátula como elemento central de la pintura. Una superficie al impasto puede resultar dinámica y fuerte.

-El esgrafiado es la técnica de rascar una capa de óleo húmeda, normalmente con la punta del mango del pincel o con espátula. Es un efecto expresivo, también eficaz para delinear formas.

-Glacis. Con un pincel duro se aplica una capa delgada de color opaco o semiopaco de manera suelta sobre la pintura, de modo que se perciba el color de la capa inferior. Es un efecto de lo más atmosférico.

-Oiling out (eliminación de aceite) es aplicar el vehículo de óleo a una pintura que se ha hundido o al óleo perdido en la capa inferior.” (Winsor & Newton. (2002). El libro del óleo).

Con respecto al tiempo de secado, ya sobre el lienzo, los colores estarán secos al tacto entre 2 y 7 días después. Pero es esencial que la pintura esté totalmente seca antes de aplicar un barniz, y deberán haber transcurrido como mínimo seis meses para los colores en capas finas. Para las capas más gruesas hará falta más tiempo.

Jan Van Eyck

 Pintor flamenco. Sin duda, el suyo es el más conocido entre los nombres de los pintores primitivos flamencos, una fama de la que ya gozaba a su muerte; hoy se le sigue considerando uno de los grandes maestros de la pintura. Durante mucho tiempo se le atribuyó la invención de la técnica pictórica del óleo, pero en la actualidad se piensa más bien que la llevó a unos niveles de perfección elevadísimos, desconocidos antes de él. Trabajaba los colores al óleo pacientemente, a veces con la yema de los dedos, hasta plasmar los reflejos luminosos de los objetos y el aspecto cambiante de la luz.

Detalle de El hombre del turbante rojo (1433),
posible autorretrato de Van Eyck

Trabajó en La Haya para Juan de Baviera y más tarde en Lille como pintor de corte de Felipe el Bueno, a quien permaneció vinculado durante toda su vida. En 1430 se estableció en Brujas, donde vivió hasta su muerte. Dos años más tarde, en 1432, acabó la que se considera su obra maestra, el gran retablo de la Adoración del cordero místico, realizado para la catedral de Gante.

Esta obra presenta, no obstante, problemas de atribución, ya que incluye una inscripción en el marco según la cual fue ejecutada por Hubert y Jan Van Eyck. El problema radica principalmente en lo oscuro de la figura de Hubert, al cual no se atribuye ninguna otra obra y de quien nada se sabe con certeza, hasta el punto de que algunos especialistas han llegado a dudar de su existencia. Por otra parte, no hay en el retablo diferencias estilísticas que permitan atribuir partes distintas a cada uno de los dos hermanos. La obra, que consta de más de doce tablas, es notable por su vivo colorido, la riqueza paisajística, el complejo programa iconográfico y el extremo cuidado de los detalles, rasgo característico de Van Eyck y extensivo a toda la pintura flamenca.

Retrato del matrimonio Arnolfini (1434)

Se le atribuyen unas veinte pinturas más, muchas de las cuales no han llegado hasta nosotros. Las que han sobrevivido son retratos y cuadros religiosos. Entre los primeros, el más conocido es el Matrimonio Arnolfini, ambientado en un interior de la época repleto de pequeños detalles. Gracias a la riqueza del empaste, el artista fue capaz de reproducir a la perfección en esta obra las texturas más diversas, desde el pelo sedoso del perrillo situado en primer término al latón pulido de la lámpara y la superficie convexa del espejo del fondo, donde el pintor da una segunda versión de la escena al mismo tiempo que crea efectos de profundidad.

El hombre del turbante rojo se considera un autorretrato del artista; la representación del modelo, impasible como todos los de Van Eyck, no resulta tan interesante como la reproducción del espléndido turbante con que se toca. La Virgen del canciller Rolin y La Virgen del canónigo Van der Paele son las dos obras que se le conocen de temática religiosa. El esquema es el mismo en ambas: la Virgen con el Niño como figura central rodeada de los donantes y comitentes; en las dos telas, el mérito reside en el lujo de detalles de los interiores donde se ambienta la escena, que incluyen vidrieras, doseletes, alfombras, esplendorosos vestidos, etc. La primera, no obstante, supera a la segunda por la profundidad que le añade el paisaje reproducido al fondo, que contribuye igualmente a la mayor luminosidad de la obra.

La maestría técnica de Van Eyck para modelar figuras y objetos con luz y color y su detallada representación de superficies y texturas resumen el estilo de un artista que tomaron como modelo numerosas generaciones, a pesar de que la enorme perfección de sus obras había puesto el listón muy alto a sus posibles seguidores. Entre todos ellos destacaría especialmente Petrus Cristus.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/van__eyck.htm

https://www.museodelprado.es/enciclopedia/enciclopedia-on-line/voz/eyck-jan-van/