Aquí os dejo con el trabajo de Buddy Nestor, uno de los artistas norteamericanos abstractos más controvertidos y oscuros. Sus trabajos deformados y marcados por el surrealismo exploran, según sus palabras, los abismos más profundos de la naturaleza humana -inspirando terror y repulsión, pero aún así hipnotizando al espectador, incapaz de apartar la mirada.
http://buddynestorartwork.com/
domingo, 21 de junio de 2015
El surrealismo pop o lowbrow.
Mark Ryden, es el padre del surrealismo pop. No está solo en ese movimiento, pero yo lo traigo a él por la gran influencia que ha tenido y tiene en el panorama artístico de las últimas décadas, en la música y el cine, etc. Os dejo algunos vídeos de su canal de youtube donde se ve su proceso creativo al óleo, también os dejo su web y una interesante entrevista.
Su imaginario es muy potente y recargado, con personajes infantiles pero irónicos. Sus cuadros repletos de simbología, son como ya digo muy complejos.
Aquí lo vemos pintando:
https://www.youtube.com/watch?v=dupxHaHx7rA
https://www.youtube.com/watch?v=0hHWh-mP-no
Ésta es un web oficial:
http://www.markryden.com
Éste su facebook:
https://www.facebook.com/Mr.Ryden?fref=ts
Y ésta es la entrevista de la que os he hablado:
http://www.neo2.es/blog/2013/09/entrevista-a-mark-ryden/
Muy interesantes son también los Rubenimichi, un triunvirato de artistas que pintan conjuntamente sus cuadros, y que son una perfecta representación del surrealismo pop español. No profundizo en ellos porque pintan con acrílico y no es la técnica que hemos usado este cuatrimestre, pero os dejo el enlace de su web por si queréis echarle un vistazo.
http://www.rubenimichi.com
IMPRIMACIÓN
Y SOPORTE
Para pintar al óleo se
emplea normalmente un soporte de lienzo o madera (también cartones, papeles y otros).
Las ventajas del soporte de madera sobre el lienzo son que se quiebra menos la pintura, ya que presenta menos cambios de tensión, es un soporte más firme para pintar pero pueden curvarse fácilmente si el bastidor no es el adecuado
Ambas formas de soporte deben ser imprimadas previamente para conseguir impermeabilidad y evitar que la
pintura se caiga, quiebre o pudra con el paso del tiempo.
La
imprimación se compone de cola y gesso (cola y blanco de España), esta puede
ser a color o no dependiendo de si se añade pigmento a la mezcla o no.
8 Documentales de Arte muy recomendables
Por Alberto Claver Crespo Sánchez:
http://culturacolectiva.com/8-documentales-de-arte-para-ver-en-linea-de-manera-gratuita/
La pintura en la actualidad; breve resumen de algunas técnicas explicadas en clase
Actualmente, la pintura ya se
encuentra definida por Leonardo como “superior a todas las artes”, ya que, sin
entrar en jerarquizaciones, se comprueba que el público tiene más acceso a ella
y muestra una mayor inclinación que hacia otras manifestaciones artísticas.
Al mismo tiempo, es cierto que
estamos más sensibilizados hacia su conocimiento, pues los hay quienes se
acercan a ella a través de la práctica, pero además, los elementos de la
creación artística se encuentran presentes en nuestra vida, desde la distribución
del espacio al color. Ritmos, colores y formas integran el entorno en el que
nos movemos.
A lo largo del cuatrimestre hemos
podido ir conociendo las distintas técnicas, medios y soportes con los que se
hace y presenta una obra.
El óleo ha sido el procedimiento
que hemos usado y es a su vez uno de los más habituales e importantes en la
pintura moderna. Su invención queda atribuida a los Van Eyck, aunque tal
afirmación no sea del todo cierta.
“Generalmente unimos el concepto
de óleo sobre un soporte móvil y aunque no es exclusivo es el más usual. Estos
son muy diversos, preferentemente la tela, material sobre el que se han pintado
los grandes cuadros de la Humanidad, sobre todo de gran formato, pues permite
mayores proporciones. La tabla le sigue en importancia (Durero o Bosco la
prefirieron). Igualmente se aplica sobre pizarra (véase Ecce Homo de Tiziano)
planchas de metal, especialmente de cobre, del que dio cuenta en su uso Ruben.
También el cartón y hasta el papel se convirtieron en elementos base; en él
Holbein y Delacroix dieron muestras de sus habilidades.”(María F. Guzmán Pérez,
Pintura. Percepción y conocimiento, propuesta didáctica).
Algunas de las técnicas que he
investigado sobre el óleo y que me han parecido más interesantes son:
“-Mezcla de colores. La mezcla de
colores tiene como objetivo crear el mayor número de opciones con un número
mínimo de colores.
-Húmedo sobre húmedo, es el
proceso de añadir otro color a las capas existentes todavía húmedas. La técnica
se usa para que la imagen resulte inmediata y de gran interés. También puede
emplearse como técnica para mezclar y difuminar, lo que se logra con el color
en cualquier estado de viscosidad, de grosor y de duro a fluido.
-Arrastre en seco, un técnica que
desconocía y que consiste en aplicar suavemente pinceladas sobre la pintura
seca, dando un efecto de difuminado.
-El impasto es la técnica de aplicar un color grueso y
rígido, dejando las marcas del pincel y la espátula como elemento central de la
pintura. Una superficie al impasto puede resultar dinámica y fuerte.
-El esgrafiado es la técnica de rascar una capa de óleo
húmeda, normalmente con la punta del mango del pincel o con espátula. Es un
efecto expresivo, también eficaz para delinear formas.
-Glacis. Con un pincel duro se aplica una capa delgada de
color opaco o semiopaco de manera suelta sobre la pintura, de modo que se
perciba el color de la capa inferior. Es un efecto de lo más atmosférico.
-Oiling out
(eliminación de aceite) es aplicar el vehículo de óleo a una pintura que se ha
hundido o al óleo perdido en la capa inferior.” (Winsor & Newton. (2002).
El libro del óleo).
Con respecto al tiempo de secado, ya sobre el lienzo, los
colores estarán secos al tacto entre 2 y 7 días después. Pero es esencial que
la pintura esté totalmente seca antes de aplicar un barniz, y deberán haber
transcurrido como mínimo seis meses para los colores en capas finas. Para las
capas más gruesas hará falta más tiempo.
sábado, 20 de junio de 2015
JAN VAN EYCK
Jan Van Eyck
Pintor flamenco. Sin duda, el suyo es el más conocido entre los nombres de los pintores primitivos flamencos, una fama de la que ya gozaba a su muerte; hoy se le sigue considerando uno de los grandes maestros de la pintura. Durante mucho tiempo se le atribuyó la invención de la técnica pictórica del óleo, pero en la actualidad se piensa más bien que la llevó a unos niveles de perfección elevadísimos, desconocidos antes de él. Trabajaba los colores al óleo pacientemente, a veces con la yema de los dedos, hasta plasmar los reflejos luminosos de los objetos y el aspecto cambiante de la luz.
Detalle de El hombre del turbante rojo (1433),
posible autorretrato de Van Eyck
Trabajó en La Haya para Juan de Baviera y más tarde en Lille como pintor de corte de Felipe el Bueno, a quien permaneció vinculado durante toda su vida. En 1430 se estableció en Brujas, donde vivió hasta su muerte. Dos años más tarde, en 1432, acabó la que se considera su obra maestra, el gran retablo de la Adoración del cordero místico, realizado para la catedral de Gante.
Esta obra presenta, no obstante, problemas de atribución, ya que incluye una inscripción en el marco según la cual fue ejecutada por Hubert y Jan Van Eyck. El problema radica principalmente en lo oscuro de la figura de Hubert, al cual no se atribuye ninguna otra obra y de quien nada se sabe con certeza, hasta el punto de que algunos especialistas han llegado a dudar de su existencia. Por otra parte, no hay en el retablo diferencias estilísticas que permitan atribuir partes distintas a cada uno de los dos hermanos. La obra, que consta de más de doce tablas, es notable por su vivo colorido, la riqueza paisajística, el complejo programa iconográfico y el extremo cuidado de los detalles, rasgo característico de Van Eyck y extensivo a toda la pintura flamenca.
Retrato del matrimonio Arnolfini (1434)
Se le atribuyen unas veinte pinturas más, muchas de las cuales no han llegado hasta nosotros. Las que han sobrevivido son retratos y cuadros religiosos. Entre los primeros, el más conocido es el Matrimonio Arnolfini, ambientado en un interior de la época repleto de pequeños detalles. Gracias a la riqueza del empaste, el artista fue capaz de reproducir a la perfección en esta obra las texturas más diversas, desde el pelo sedoso del perrillo situado en primer término al latón pulido de la lámpara y la superficie convexa del espejo del fondo, donde el pintor da una segunda versión de la escena al mismo tiempo que crea efectos de profundidad.
El hombre del turbante rojo se considera un autorretrato del artista; la representación del modelo, impasible como todos los de Van Eyck, no resulta tan interesante como la reproducción del espléndido turbante con que se toca. La Virgen del canciller Rolin y La Virgen del canónigo Van der Paele son las dos obras que se le conocen de temática religiosa. El esquema es el mismo en ambas: la Virgen con el Niño como figura central rodeada de los donantes y comitentes; en las dos telas, el mérito reside en el lujo de detalles de los interiores donde se ambienta la escena, que incluyen vidrieras, doseletes, alfombras, esplendorosos vestidos, etc. La primera, no obstante, supera a la segunda por la profundidad que le añade el paisaje reproducido al fondo, que contribuye igualmente a la mayor luminosidad de la obra.
La maestría técnica de Van Eyck para modelar figuras y objetos con luz y color y su detallada representación de superficies y texturas resumen el estilo de un artista que tomaron como modelo numerosas generaciones, a pesar de que la enorme perfección de sus obras había puesto el listón muy alto a sus posibles seguidores. Entre todos ellos destacaría especialmente Petrus Cristus.
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/van__eyck.htm
https://www.museodelprado.es/enciclopedia/enciclopedia-on-line/voz/eyck-jan-van/
COMPOSICION, SOMBRAS, VELADURAS, ARRASTRES Y LOS GRANDES MAESTROS DE LA PINTURA
Berger,
1068 afirma
“Si el artista aclara el color para expresar la
luz y lo ennegrece para expresar la sombra, no tiene más que un modelado
incompatible con la pintura en tanto no los integre en la superficie por una
serie de compensaciones de equivalencias plásticas. Lejos, pues, de que el
objeto dicte sus sombras, como ocurre en la realidad, es él por el contrario,
quien se somete a ellas”. pág. 50
Para dar las sombras en pintura
no es suficiente oscurecerlo con negro o un color oscuro. Hay toda una gama de
matices dentro de la propia sombra.
En
el tercer ejercicio se amplía la paleta al negro.
“Cuando oigo decir que en la
naturaleza no hay negro, pienso que en realidad el negro no existe tampoco, si
se quiere, en el color.
Sobre todo, no hay que caer en
el error de creer que los coloristas no emplean el negro, porque es evidente
que desde que el negro entra en la composición con elementos azules, rojos o
amarillos, éstos se vuelven grises, ya sea rojo profundo, amarillo o azul
grisáceo. Encuentro especialmente que no
puede ser más interesante lo que Ch. Blanc, en ‘Artistas
de mi tiempo’ dice de la técnica de Velázquez, en la que las sombras y los
semitonos consisten por la mayor parte en grises
fríos e incoloros, donde el negro y un poco de blanco son los elementos
básicos. Sobre este medio neutro e incoloro, el más pequeño matiz, por ejemplo,
resalta y está hablando”. Van Gogh, Vincent, pág. 122.
Noche estrellada sobre el Ródano, Van Gogh
Kandinsky, padre del arte abstracto
Vasilí Kandinsky, padre del arte abstracto
Wassily o Vasilí Kandinsky, nació en Moscú en 1866, se nacionalizó en Alemania y más tarde en Francia, pero si principal interés era la cultura primitiva y las manifestaciones populares de su país natal.
Empezó en la pintura como profesión a los 30 años, antes compaginó sus estudios de derecho y economía con las clases de dibujo y pintura. Cuando cumplió los treinta, dejó los estudios para irse a Munich a estudiar pintura y dedicar todo su tiempo a este arte. Descubrió la obra de Rembrandt y Monet, y conoció a Paul Klee, con quién mantuvo una larga amistad. Entre 1903 y 1908 viajó por varios países, Italia, Túnez, Holanda, Rusia....
En 1909 fundó la Nueva Asociación de Artistas de Munich, y en 1911 después de renunciar a la fundación creó junto con Klee, Marc y Macke, el grupo Der Blaute Reiter (El jinete azul), y se dedicaban a organizar exposiciones, principalmente en Munich y Berlín.
Durante este período el color siempre ha estado presente en sus obras, empezó con influencias postimpresionistas, fauvistas y pasó también por el expresionismo, hasta convertirse en el padre del arte abstracto en 1913, año en el que la totalidad de sus obras eran abstractas dentro del arte moderno. Kandinsky tenía una enorme fascinación por la naturaleza y sus formas y refundió la libertad cromática de los fauvistas, sus cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con colores vivos.
Entre sus obras más conocidas, destacan “Munich-Schwabing con la Igelesia de Santa Úrsula” y “Composición VII” la cual es una de las pinturas más complejas que se hayan creado.
En 1914 regresó a Moscú debido a la primera guerra mundial. Su labor dentro de los distintos organismos le permitió la creación de varios museos por todo el país. En 1921 fue uno de los fundadores de la Academia de Artes y Ciencias de la URSS y al año siguiente volvió a Alemania. Este extraordinario pintor murió en 1944 en Francia, después de que en 1933 el Tercer Reich clausará la Bauhaus y se quedará definitivamente en el país.
Referencias:
Wassily o Vasilí Kandinsky, nació en Moscú en 1866, se nacionalizó en Alemania y más tarde en Francia, pero si principal interés era la cultura primitiva y las manifestaciones populares de su país natal.
Empezó en la pintura como profesión a los 30 años, antes compaginó sus estudios de derecho y economía con las clases de dibujo y pintura. Cuando cumplió los treinta, dejó los estudios para irse a Munich a estudiar pintura y dedicar todo su tiempo a este arte. Descubrió la obra de Rembrandt y Monet, y conoció a Paul Klee, con quién mantuvo una larga amistad. Entre 1903 y 1908 viajó por varios países, Italia, Túnez, Holanda, Rusia....
En 1909 fundó la Nueva Asociación de Artistas de Munich, y en 1911 después de renunciar a la fundación creó junto con Klee, Marc y Macke, el grupo Der Blaute Reiter (El jinete azul), y se dedicaban a organizar exposiciones, principalmente en Munich y Berlín.
Durante este período el color siempre ha estado presente en sus obras, empezó con influencias postimpresionistas, fauvistas y pasó también por el expresionismo, hasta convertirse en el padre del arte abstracto en 1913, año en el que la totalidad de sus obras eran abstractas dentro del arte moderno. Kandinsky tenía una enorme fascinación por la naturaleza y sus formas y refundió la libertad cromática de los fauvistas, sus cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con colores vivos.
Entre sus obras más conocidas, destacan “Munich-Schwabing con la Igelesia de Santa Úrsula” y “Composición VII” la cual es una de las pinturas más complejas que se hayan creado.
 |
| Múnich, Santa Úrsula |
En 1914 regresó a Moscú debido a la primera guerra mundial. Su labor dentro de los distintos organismos le permitió la creación de varios museos por todo el país. En 1921 fue uno de los fundadores de la Academia de Artes y Ciencias de la URSS y al año siguiente volvió a Alemania. Este extraordinario pintor murió en 1944 en Francia, después de que en 1933 el Tercer Reich clausará la Bauhaus y se quedará definitivamente en el país.
Adjunto además unas imágenes de algunas de sus obras más conocidas
 |
| Braunlich Brownish |
 |
| Composición 8 |
 |
| Improvisación nº 30 |
Referencias:
www.facilisimo.com
www.artic.edu
viernes, 19 de junio de 2015
jueves, 18 de junio de 2015
miércoles, 17 de junio de 2015
Breve historia de la pintura:
``
El 15 de abril de 1875, en Paris, Claude,
Monet, Camille Pisarro, Edgar Degas, Auguste Renoir y otro jóvenes artistas,
exponen por primera vez pinturas que modificarán radicalmente el curso de la
Historia del Arte: figuras y paisajes cotidianos se realizan en óleo con
breves toques de colores densos y al mismo tiempo ligeros, hasta el punto de
que transmiten a la tela las sensaciones reales de aire, movimiento y
luminosidad. El papel revolucionario de los cuadros impresionistas, debido a
que siguen una teoría de la luz precisa, es notario y reconocido por la generalidad;
pero también hay que tener en cuenta que este cambio radical del lenguaje
artístico ha sido posible gracias a una banal innovación técnica: el invento de
los colores ya preparados en tubo. Gracias a ellos, el equipo del pintor se
vuelve ágil, ligero y por lo tanto fácil para trasportar, ideal para pintar al
aire libre; los colores en tubo son más fáciles de utilizar y por ello permiten
al artista una mayor libertad expresiva´´ ( página 8,Técnicas y materiales del
arte, autor Antonella Fuga)
``En la pintura al óleo, la materia
colorante está constituida por pigmentos y aceites desecantes como los del
nogal, el lino o la amapola, a los que se unen aceites esenciales como la
trementina, obtenida de la destilación de las resinas de coníferas, y los
aceites de lavanda, espliego romero.
La pintura al óleo se conoce desde
la antigüedad, y se menciona en el tratado de Teófilo datado en 1100. Y en el
de Cennini. Los primeros grandes ejecutores de obras al óleo fueron los
flamencos que se distinguieron por la aplicación sistemática de los empastes de
colores con bases de aceites y de resinas unidas en caliente.
La técnica al óleo permite una
infinita variedad de resultados según la elección de los colores o el espesor
del material pictórico; con los aceites muy diluidos se trabajan las veladuras,
construye una imagen con profundidad y se consigue describir hasta el más
mínimo detalle.´´ (pág.121, Técnicas y materiales del arte, autor Antonella
Fuga).
DAVID SÁNCHEZ CRUZ
Robert Delaunay
(1885-1947)
Delaunay
consiguió representar el movimiento circular de la luz con la combinación de
colores brillantes y saturados.
Formas
circulares, sol nº3 (1912): su amor por el ritmo y el movimiento le llevó a
realizar varias series de cuadros basados en la representación de la luz. Se
inspiró para ello en los rayos del sol y
el resplandor incorpóreo de los colores del arco iris.
Mediante un amplio despliegue de colores que
atienden a las teorías del color represento diferentes facetas de la luz: su
expansión enérgica, transformación e inmaterialidad.
Se inició en
el cubismo, pero pronto lo abandonó para embarcarse en un nuevo estilo dominado
por formas circulares y colores saturados y brillantes, basado en la
yuxtaposición o el contraste simultaneo de colores puros rotos en prismas.
El principal
interés de sus pinturas fueron la representación de la luz y sus efectos
cromáticos que de esta se derivan, que culminaron en impresionantes obras
abstractas centradas en la geometría y el ritmo.
Sus óleos
adquirieron un carácter dinámico a partir de la disolución del espectro de la
rueda de color, pues se interesó notablemente por las formas circulares y el
movimiento rotatorio.
lunes, 15 de junio de 2015
El color de los cuerpos
- Color local: Es el color propio de los cuerpos, es decir, que no es modificado por efectos de luz o sombra.
- Color tonal: Es una variante del color local que esta modificado en mas o en menos por el reflejo de los otros colores. Es un color con muchas variantes.
- Color reflejado: Es un color constante teniendo en cuenta el color ambiente y el color reflejado de uno o mas cuerpos determinados.
- El color propio de la luz: influye naturalmente en los colores del modelo.
Informacion sacada de ¨El gran libro de la pintura al Oleo¨de J,M. Parramon, pagina 92/93
Obra Cayce Zavaglia
Esta autora realiza obras hiperrealistas con hilo bordado a raiz de la experimentacion con el oleo, comparandola con esta tecnica debido la similitud del resultado. Aqui os adjunto dos enlaces el primero un breve articulo introduciendo la obra de la autora y el segundo la pagina oficial de la misma.
http://inkultmagazine.com/blog/hiperrealismo-bordado-cayce-zavaglia/
http://www.caycezavaglia.com/details/l659tosycd660dwwavtdsz35y7r4wb
Espátulas y sus usos
Las espátulas son menos comunes que los pinceles y es necesario acostumbrarse a ellas para poder ver que se les puede sacar mucho provecho.
Se utilizan para pintar y mezclar las pinturas. Al pintar, generan masas de color que no se funden con las pinturas de debajo, pues se aplican de un modo limpio gracias al metal. Además, generan unos trazos planos y suaves, pues hay una gran diferencia entre aplicar pintura con pinceles de pelos, suaves o duros, o aplicarla con un trozo e metal con diversas formas como son las espátulas.
- Espátulas para paleta que sirven para mezclar colores en la plancha o en la paleta. Tienen hojas delgadas y blandas, de 10 a 15 cm. de longitud, con puntas afiladas y redondeadas, y de forma recta o angular. Las angulares sirven para eliminar los grumos de pintura.
- Espátulas para pintar. De hojas finas, delicadas y elásticas. Se usan para la aplicación y manipulación de la pintura en el lienzo. Se fabrican en multitud de formas, estilos y tamaños.
CÓMO PINTAR CON LA ESPÁTULA
Se puede pintar con óleos y con acrílicos, sin diluir las pinturas para mantener el espesor y manejar mejor la pintura.
Existen tres formas principales de sujetar la espátula para pintar:
- Para extender grandes masas de color, se sujeta el mango con fuerza, con la base plana de la espátula tocando totalmente el lienzo.
- Para toques más sutiles se sujeta la espátula apoyando el dedo índice sobre la parte elástica de la hoja y así movemos la punta de la espátula para aplicar la pintura.
- Sujeción habitual. Se sujeta por el mango de madera con el dedo índice sobre el puente de acero.
Una ventaja que les encontré fue el no desperdiciar tanta pintura
como los pinceles, que la absorben. Pero también hay que trabajar con
grandes cantidades de pintura para mezclar bien los colores.
También se usan para corregir errores ya que eliminan capas de
pintura húmeda.
Tecnicas oleo
Os dejo un enlace donde explican distintas tecnicas y hacen referencia a autores. Espero que lo encontreis de utilidad.
http://pintar-al-oleo.com/metodos-tecnicas-para-pintar-al-oleo/
http://pintar-al-oleo.com/metodos-tecnicas-para-pintar-al-oleo/
domingo, 14 de junio de 2015
sábado, 13 de junio de 2015
Disolventes, secativos y aglutinantes
Esencia de trementina: comunmente conocida como "aguarrás",sirve para diluir los colores, volviéndolos menos espesos, su uso
no es imprescindible pero en nuestros trabajos lo hemos usado para hacer la
mancha inicial, además es muy útil junto al jabón de lagarto para retirar los
restos de óleo de nuestros materiales.
Secativos: Nosotros no los
hemos usado para realizar nuestros trabajos pero estos productos aceleran el
secado del óleo en unas cuantas horas, lo malo de usar estos productos es que
se puede legar a alterar el color original de nuestro óleo.
- Aglutinantes: El más conocido
es el aceite de linaza ya que es el más empleado y el que tiene el secado más rápido.
Sirven para que los colores se adhieran mejor entre sí además de a el soporte. También
aporta a los pigmentos una capa protectora.
- Barniz: Otro de los materiales
que nosotros durante el cuatrimestre no hemos usado. Al finalizar el cuadro
podemos darle una capa de barniz a este para protegerlo del polvo, manchas… además
de aportarle brillo.
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